kultur-online - Archiv

Doppelte Ökonomien

fear — Sat, 18 May 2013 02:13:00 +0200

Den Ausgangspunkt für die Ausstellung «Doppelte Ökonomien» bildet ein Fotoarchiv, das im Auftrag der DDR-Kombinate von 1967 bis 1990 vom freischaffenden Fotografen Reinhard Mende produziert wurde. In ca. 19'500 Fotografien zeichnet das Archiv ein Bild des Realsozialismus: Teils dokumentierend, teils inszenierend sind Industriebetriebe sowie die Ausstellung von Konsumgütern an der Internationalen Messe in Leipzig dargestellt.

Leipzig war wichtiger Verbindungsort der wirtschaftlichen Beziehungen zwischen Ost und West. Dadurch zeigen die Fotografien der Internationalen Messe das Aufeinanderprallen zweier Ökonomiesysteme: der Sozialismus in der Produktion und der Kapitalismus in der Präsentation von Konsumgütern. Einerseits waren die ausgestellten DDR-Produkte für den internationalen Export bestimmt – insbesondere in nicht-sozialistische Staaten. Andererseits diente die Messepräsentation der Förderung des eigenen sozio-politischen Systems und als aussenpolitisches Mittel im Anerkennungsprozess der Souveränität anderer sozialistischer Staaten – insbesondere von jungen Nationen des afrikanischen Kontinents.

Auf der Grundlage dieses Archivs entwickelte ein transdisziplinäres Forschungsunternehmen zeitgenössische künstlerische Positionen sowie historische und theoretische Analysen. Künstler, Theoretiker/innen und Wissenschaftler sowie ehemalige Protagonisten des Archivs wurden eingeladen, dem Archiv einen Kommentar zu verleihen oder eine persönliche Auswahl an Fotografien zu treffen. Dieser kollektive Prozess eröffnet sowohl einen nicht-linearen Diskurs über die Wirtschaftsgeschichte der DDR als auch eine Auseinandersetzung in die Verschränkung verschiedener ökonomischer Systeme und Politik durch Fotografie und Design.

Die Forschungsbemühungen münden in eine Ausstellung an der ETH Zürich, in der neben einer Auswahl an Bildern aus dem Fotoarchiv auch künstlerische Beiträge, Kontextmaterial und Video-Interviews versammelt werden. Die verschiedenen Lektüren des Fotoarchivs werfen die Frage auf, wie das Fotoarchiv für zeitgenössische Problemstellungen fruchtbar gemacht werden kann.

Publikation: «Doppelte Ökonomien. Vom Lesen eines Fotoarchivs aus der DDR, 1967–1990.» Herausgegeben von Doreen Mende, Estelle Blaschke und Armin Linke; Design von Werkplaats Typografie, Arnhem. 21 x 29.7 cm, 448 Seiten, Softcover, Deutsch und Englisch; spector books, Leipzig, ISBN 978-3-940064-46-2, CHF 45.90/ 36.00 Euro

Doppelte Ökonomien
11. April bis 23. Mai 2013
Vom Lesen eines Fotoarchivs aus der DDR (1967–1990)

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-04-11

Ende der Ausstellung:

2013-05-23

Verweis auf Adresse:

ETH Zürich

Jonas Burgert. Schutt und Futter

fear — Fri, 17 May 2013 02:56:00 +0200

Schlagworte:

Jonas Burgert; Burgert Jonas; Burgert, Jonas; Burgert

Die Kestnergesellschaft präsentiert mit der Ausstellung «Schutt und Futter» die neuesten Arbeiten des Berliner Malers Jonas Burgert (*1969 in Berlin-West, lebt in Berlin). Jonas Burgerts monumentale Bilder zeichnen sich durch Opulenz und Detailreichtum aus. Sein malerisches Repertoire schöpft er aus einem reichen kulturhistorischen und ethnologischen Fundus.

Fantastische Gestalten, burleske Theatercharaktere und surreale Fabelwesen bevölkern seine Bildräume. Als Teilnehmer karnevalesker Prozessionen oder in gemeinschaftliche Handlungszusammenhängen verstrickt, bleiben sie dennoch isolierte Einzelgänger. Bandagierte, nackte oder entstellte Körper evozieren Gefühle der Unsicherheit.

Burgerts Figuren sind keine Individuen, sondern entsprechen vielmehr archetypischen Sinnbildern existenzieller Selbstvergewisserung. Allgemeine Gesten menschlichen Ausdrucks inszeniert Burgert mit einem großen Spektrum malerischer Mittel und verleiht seinen Bildern so eine auratische und universelle Strahlkraft. Oft gestaltet er seine Bildräume als kastenförmige Bühnen, auf denen er den ganzen visuellen Reichtum seiner Inszenierungen entfaltet. Räumliche Durchbrüche wie Brunnen, Schluchten oder Fenster verweisen auf eine andere Sphäre, während im Spiel mit Größenverhältnissen die Raumaufassung destabilisiert wird.

Im farblichen Ausfransen an den Rändern, durch Farbflecke, monochrome Flächen und variationsreiche Pinselspuren wird stellenweise die illusionistische Darstellung gebrochen und in abstrakte, ornamental strukturierte Partien überführt. Burgerts Bilder reflektieren das sinnstiftende Potential der Malerei. Sie aktivieren ihr sinnliches Vermögen Räume zu schaffen, Atmosphäre zu erzeugen und unsere Existenz zu spiegeln.

Jonas Burgert studierte Malerei an der Universität der Künste in Berlin. Mit der Ausstellung «Geschichtenerzähler» in der Hamburger Kunsthalle wurden Arbeiten von Burgert 2005 einer breiteren Öffentlichkeit bekannt und verfügen seitdem über eine weltweite Sammlerschaft. Es folgten Präsentationen in internationalen Galerien und Sammlungen, darunter das Denver Art Museum, die Sammlung Falkenberg in der Overbeck-Gesellschaft, Lübeck, die Olbricht Collection im Museum Folkwang, Essen, und den Deichtorhallen, Hamburg. Wichtige institutionelle Einzelausstellungen waren in der Kunsthalle Tübingen (2010) und der Kunsthalle Krems (2011) zu sehen.

Katalog: Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in deutscher und englischer Sprache mit Texten von Dorothée Brill, Veit Görner und einem Interview von Jonas Burgert und Heinrich Dietz. Die Publikation dokumentiert mit über 60 Farbabbildungen neuste Arbeiten von Jonas Burgert sowie Schlüsselarbeiten der letzten Jahre.

Jonas Burgert. Schutt und Futter
22. Februar bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-22

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Kestnergesellschaft Hannover

Verweis auf KO-Inhalte:

Das gemalte Welttheater des Jonas Burgert

Lebendversuch

Gift gegen Zeit

Ulrike Ottinger. Weltbilder

fear — Fri, 17 May 2013 02:50:00 +0200

Schlagworte:

Ulrike Ottinger; Ottinger Ulrike; Ottinger, Ulrike; Ottinger

Die Hannoveraner Kestnergesellschaft beginnt das Jahr 2013 mit der Ausstellung «Weltbilder» der Künstlerin und Filmemacherin Ulrike Ottinger zu beginnen. Die verschiedenen Aspekte ihres OEuvres – Film, Oper- und Theaterinszenierung, Bühnenbild, Fotografie sowie von ihren Reisen inspirierte rituelle Objekte – fließen in eine großangelegte, sich über mehrere Räume erstreckende Installation. In Ergänzung zeigt das Kino im Künstlerhaus Hannover eine Retrospektive ihrer Filme seit den 1970er Jahren bis heute.

Die Filme und Werke von Ulrike Ottinger bewegen sich zwischen ethnografischer Beobachtung, kultureller Begegnung und mythologischer Erzählung. In der Kestnergesellschaft verbindet die Künstlerin in einer einzigartigen Inszenierung was sonst unverbunden bleibt, wodurch sie die Grenzen und Unterschiede zwischen den Kulturen zugleich verwischt, als auch klarer hervortreten lässt. Mit Postkarten und Stickereien versehene Schulwandkarten sind der Ausgangspunkt ihrer zwischen Realität und Fiktion mäandernden Installation, die zusammen mit Fotografien aus der Mongolei, Osteuropa und Mexiko verschiedene Welten erfahrbar macht.

Thematisch verknüpfte Objekte, Wandarbeiten und bearbeitete Fotografien verwebt die Künstlerin im Ausstellungsraum zu einem dichten Netz der Bilder und Geschichten. Ergänzt wird die Inszenierung mit der Präsentation eines Ausschnitts aus «Taiga» (1992) – ein Film Ottingers, der ihre Reise zu den Yak- und Rentier-Nomaden im nördlichen Teil der Mongolei sowie zu der eigenen Geschichte dieser beiden Völker beschreibt – und mit der raumfüllenden Dia-Installation «Bildarchive». Die Ausstellung ermöglicht eine faszinierende Begegnung mit den einfühlsamen bis schrillen, offenen bis persönlichen Blicken Ottingers auf die Welt, Geschichte und Kultur.

Ulrike Ottinger (*1942 in Konstanz, lebt in Berlin) gehört zu den Pionieren der Kunst im Kino, die das Medium Film schon früh als Möglichkeit der Fortsetzung ihrer Kunst entdeckte. Bis heute geht ihr Werk allerdings weit über das einer Filmemacherin hinaus: Sie ist Künstlerin, Fotografin, Autorin, Film- und Theaterregisseurin. Mit ihren Filmen, die auf den wichtigsten internationalen Festivals gezeigt und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurden, hat sie seit den 1970er Jahren Filmgeschichte geschrieben. Ihr künstlerisches Werk erregte Aufsehen auf den international bedeutendsten Kunstausstellungen wie der Biennale di Venezia (1980), documenta 11 (2002) und der 3. Berlin Biennale (2004).

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in deutscher und englischer Sprache mit Texten von Hanne Bergius, Veit Görner und Antonia Lotz. Die Publikation dokumentiert mit über 60 Farbabbildungen erstmals umfassend die Ausstellungen Ulrike Ottingers von den 1960er Jahren bis heute.

Ulrike Ottinger. Weltbilder
22. Februar bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-22

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Kestnergesellschaft Hannover

Verweis auf KO-Inhalte:

Sammlung Goetz präsentiert Arbeiten von Ulrike Ottinger

Erich Sokol - Gnadenlos genial!

fear — Thu, 16 May 2013 02:48:00 +0200

Schlagworte:

Erich Sokol; Sokol Erich; Sokol, Erich; Sokol

Das Karikaturmuseum Krems macht die Bühne frei für einen der herausragendsten und international renommiertesten Zeichner, Karikaturisten und Cartoonisten Österreichs: Erich Sokol. 2013 wäre er 80 Jahre alt geworden, auch jährt sich sein Todestag zum zehnten Mal. Aus diesem Grund zeigt das Karikaturmuseum Krems ab Herbst 2012 Werke des Künstlers, das Beste vom Besten und als besonderes Highlight: eine noch nie ausgestellte Serie satirischer Zeichnungen, Sokols «American Natives».

In Österreich ist Erich Sokol durch seine liebenswürdig-charmanten, nicht minder scharf-pointierten Karikaturen, die er unter anderem für die Arbeiter-Zeitung, die Neue Kronenzeitung oder Die Presse schuf, bekannt. Vor allem seine Porträts von berühmten Zeitgenossen - psychologische Charakterstudien ersten Ranges - weisen Erich Sokol als Großmeister der Karikatur aus. Im deutschen Sprachraum nahezu unbekannt sind seine «American Natives», die er während seines Aufenthalts in den USA schuf und 1960 in Buchform veröffentlichte. In ihnen hat Erich Sokol auf subtile Weise den «American Spirit», den Zeitgeist der 1950er Jahre eingefangen und kritisch beleuchtet.

Die Arbeiten stammen aus dem Besitz der Erich Sokol Privatstiftung, Mödling, und der Sammlung des Landes Niederösterreich. Nach der Präsentation im Karikaturmuseum Krems werden Sokols Werke im deutschsprachigen Raum auf Reisen gehen und das Publikum begeistern.

Erich Sokol - Gnadenlos genial!
25. November 2012 bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2012-11-25

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Karikaturmuseum Krems

Zwischen Biedermeier und Gründerzeit

fear — Thu, 16 May 2013 02:08:00 +0200

Das Münchner Stadtmuseum präsentiert unter dem Titel «Zwischen Biedermeier und Gründerzeit. Deutschland in frühen Photographien 1840-1890 aus der Sammlung Siegert» eine Auswahl von 250 Originalfotografien aus der Privatsammlung Dietmar Siegert, München. Eine vergleichbar breit angelegte und fotohistorisch anschauliche Ausstellung von Fotografien aus den ersten Jahrzehnten des Mediums hat es bisher noch nicht gegeben. Die hier präsentierte private Kollektion wurde über einen Zeitraum von mehr als 30 Jahren sorgfältig zusammengetragen.

Aufgefächert in thematische Kapitel zeigt die Ausstellung die unterschiedlichen Verwendungsweisen der Fotografie im 19. Jahrhundert: Ausgewählte Porträts geben ein Bild der deutschen Gesellschaft; die soziale Wirklichkeit der Innenstädte und historische Ereignisse werden mit dokumentarischem Anspruch festgehalten; topografische Ansichten lassen eine imaginäre Landkarte Deutschlands entstehen von Flensburg bis München, vom Elsass bis Danzig. Nicht zuletzt wird das Bild Deutschlands von ausländischen Reisefotografen geprägt, die mit dem Topos der Rheinreise deutsche Identität formen.

Es werden Inkunabeln der Frühzeit der Fotografie wie die frühen Daguerreotypien von Carl August Steinheil aus der Zeit um 1864 gezeigt, darüber hinaus ein einzigartig umfangreiches Konvolut von meisterlich mit Licht gezeichneten Naturstudien für Maler des Fotografen Georg-Maria Eckert und der von Ludwig Belitski erstellte fotografische Atlas von Sachaufnahmen für ein Kunstgewerbemuseum. Neben den hinreißend kostümierten Figuren der Märchenball-Bilder Joseph Alberts, raren Mappenwerken, Reise-Alben sind auch frühe Aufnahmen städtebaulicher Wahrzeichen von München oder Berlin namhafter Lichtbildner wie Franz Hanfstaengl oder Leopold Ahrendts zu sehen. Eine Entdeckung sind neben anonymen Porträts besonders die Aufnahmen Georg Koppmanns von Hamburg, die ein ganzes Stadtviertel nicht nur in seiner architektonischen, sondern auch in seiner sozialen Struktur abbilden.

Es erscheint ein umfangreicher Katalog im Schirmer/Mosel Verlag (368 Seiten, 350 Abbildungen), der ein breitgefächertes Bild von Land und Gesellschaft im Deutschland des 19. Jahrhunderts und zugleich ein lebendiges Stück Fotografie- und Kulturgeschichte abbildet . Die thematisch einführenden Texte des opulenten Buches stammen von namhaften Fotohistorikern des deutschsprachigen Raums, darunter Bernd Stiegler, Monika Faber, Timm Starl, Ulrich Pohlmann und Bodo von Dewitz. Der Katalog ist in broschierter Form (39,00 EUR) und in der Hardcover-Ausgabe (49,80 EUR) im Museum erhältlich.

Zwischen Biedermeier und Gründerzeit
Deutschland in frühen Photographien 1840-1890 aus der Sammlung Siegert
30. November 2012 bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2012-11-30

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Münchner Stadtmuseum

Schmuck im Schmuck

fear — Thu, 16 May 2013 01:34:00 +0200

Schlagworte:

Petra Zimmermann; Zimmermann Petra; Zimmermann, Petra; Zimmermann

Mit opulenten, glamourösen, sinnlichen Kreationen verleiht Petra Zimmermann der Stilwelt des Schmucks eine neue, extravagante Note. «Schmuck im Schmuck» nennt sie ihre Ringe und Armreifen, für die sie frühen Modeschmuck des 20. Jahrhunderts in leuchtend farbige Kunststoffformen gießt. Wie «Denkstücke» zu ästhetischen Fragen lesen sich ihre figurativen Broschen, denen Cut-Outs normierter Modelschönheiten aus Lifestyle Magazinen als Blaupausen perfekter Körpersilhouetten zugrunde liegen.

Mit zirka 100 Exponaten, entstanden zwischen 1997 und 2012, bietet die Ausstellung «JEX. Jewelry Exhibition. Schmuck von Petra Zimmermann» erstmals eine Übersicht über das Schmuckwerk der Künstlerin.

Changierend zwischen Design, angewandter und bildender Kunst begann Petra Zimmermann 1998 mit der Arbeit an ihrer bis heute lose fortgesetzten Serie von Ringen und Armreifen. Ihrem bevorzugten «found footage» – Bijouterien des 20. Jahrhunderts – schneidert sie eine technoid-amorphe, stilistisch zwischen Jugendstilfloralistik, Plastik und Ergonomie-Design angesiedelte Ringform auf den Leib und widmet ihm den exponierten Platz, der bei konventionellem Schmuckdesign Steinen oder Perlen vorbehalten ist. In seiner artifiziellen Erscheinung kontrastiert Zimmermanns Autorenschmuck den verstaubten Glanz des historischen Modeschmucks.

Seit 2002 arbeitet Petra Zimmermann an einem zweiten Werkstrang zumeist figurativer Broschen. Anonyme Modelporträts überträgt sie in ihren frühen Broschen mit großzügigem, malerischem Gestus in die Gussform. Bei jüngeren Arbeiten integriert sie die Printvorlagen direkt in den Kunststoff und bevorzugt florale Sujets, die das spielerisch Schmuckhafte der Broschen deutlicher in den Vordergrund treten lassen.

Charakteristisch für Zimmermann ist die Verarbeitung relevanter ästhetischer und sozialer Themen, die hinter der optischen Opulenz ihrer Stücke zu entdecken ist. Die dichte Präsentation in «JEX. Jewelry Exhibition. Schmuck von Petra Zimmermann» führt die Konsequenz ihrer künstlerischen Strategie vor Augen. Von den frühesten Ringen bis zu jüngsten Arbeiten hält sie an der zitathaften Gegenüberstellung von vorgefundenem Material und individuell gestalteten Kunststoffformen fest. Ihre Objekte erschöpfen sich nicht in einer schmückenden Funktion, sondern behandeln Fragen nach Reiz, Wert und Ablaufdatum von Schönheit sowie nach der Legitimation von Schmuck als künstlerischem Medium.

Das weitgehend unbekannte Feld des zeitgenössischen Schmucks wird BesucherInnen der Ausstellung in einer «Leseecke» nähergebracht. Zimmermann wählte Monografien und Ausstellungskataloge über internationale Positionen zeitgenössischen Autorenschmucks aus den 1970er Jahren bis heute aus, die den Begriff Autorenschmuck maßgeblich geprägt haben und den Diskurs in diesem Feld mitbestimmen.

Petra Zimmermann, 1975 in Graz geboren, studierte Bildhauerei an der Universität für angewandte Kunst Wien. 2010 wurde sie mit dem Eligius-Schmuck-Preis des Landes Salzburg, 2011 mit dem internationalen Cominelli Foundation Award for Contemporary Jewelry ausgezeichnet. Petra Zimmermann lebt und arbeitet in Wien.

JEX - Jewelry Exhibition
Schmuck von Petra Zimmermann
20. Februar bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-20

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

MAK

Alberto Giacometti. Begegnungen

fear — Wed, 15 May 2013 02:58:00 +0200

Schlagworte:

Alberto Giacometti; Giacometti Alberto; Giacometti, Alberto; Giacometti

Vom 26. Januar bis 20. Mai 2013 zeigt das Bucerius Kunst Forum die Ausstellung «Alberto Giacometti. Begegnungen». Erstmals widmet sich damit eine Schau umfassend der Portraitkunst Alberto Giacomettis (1901–1966). Diese ist Ausgangspunkt und Zentrum seines Werks. Sie zeigt seine Persönlichkeit und künstlerische Weltauffassung wie kein anderer Bereich seines Schaffens. Von seinen Portraitstudien ausgehend entwickelte Giacometti alle weiteren Überlegungen und Formfindungen.

Das Bucerius Kunst Forum präsentiert rund 120 Plastiken, Gemälde und Zeichnungen, die zwischen 1919 und Giacomettis Tod im Jahr 1966 entstanden. Eindrücklich führen sie seine unablässige Auseinandersetzung mit dem Gegenüber vor Augen, die ihn zu den anonymen schlanken Figuren brachte. In einer Zeit, in der die künstlerische Avantgarde die Abstraktion propagierte, beharrte Giacometti auf der figurativen Darstellung und nahm damit eine Außenseiterposition ein. Während seines gesamten Künstlerlebens fertigte er Portraitköpfe, sitzende oder stehende Portraitfiguren in den verschiedensten Medien – Plastik, Malerei und Zeichnung – von allen ihm Nahestehenden.

Immer aufs Neue arbeitete Giacometti an Bildnissen seiner Familie und Portraits von Schriftstellern und Philosophen seines Freundeskreises im Paris der Nachkriegszeit. Sie zeigen, wie Giacometti das Wesen und die Lebensenergie der Menschen ins Bild setzte. Über diese intensive Konfrontation mit Antlitz und Gestalt des Anderen kam Giacometti – nach surrealistischen Anfängen – der Philosophie des Existentialismus nahe. Der Künstler rang um die Erfassung der existentiellen Gegenwart des Menschen, die er als «geballte Gewalt» wahrnahm. Diese übertrug er auch in seine anonymen Bildnisse. Seine überlängten schlanken Figuren sind frei von Zuordnungen zu konkreten Personen und stellen die Essenz seiner «Suche nach dem Absoluten» dar, wie Sartre 1948 das künstlerische Streben Giacomettis charakterisierte.

Die Ausstellung «Alberto Giacometti. Begegnungen» im Bucerius Kunst Forum umfasst 44 Plastiken, 10 Gemälde und 65 Zeichnungen. Wichtige Leihgaben kommen aus der Familie des Künstlers – bedeutende Werke, die bisher in Deutschland nicht gezeigt wurden. Weitere Exponate stammen aus deutschen und internationalen Sammlungen wie dem Centre Pompidou, Paris, dem Comité Marc Chagall, Paris, dem Kunstmuseum Solothurn, der Staatsgalerie Stuttgart, dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., der Sammlung Klewan, München und weiteren Privatsammlungen.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher, von Ortrud Westheider und Michael Philipp herausgegebener Katalog mit Beiträgen von Casimiro Di Crescenzo, Miriam Häßler, Eva Hausdorf, Michael Peppiatt, Martin Schieder, Beat Stutzer und Ortrud Westheider, Hirmer Verlag, München 2013, ca. 216 Seiten, EUR 29,80.

Alberto Giacometti. Begegnungen
26. Januar bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-01-26

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Bucerius Kunst Forum

Verweis auf KO-Inhalte:

Giacometti. Die Donationen

Giacometti in Berlin

Alberto Giacometti in Duisburg

Ein Sucher nach der Wahrheit

Der Aufbruch zur Avantgarde

Der Ursprung des Raumes

Das Sehen im Werk

Alberto Giacometti - Retrospektive des reifen Werkes

Alberto Giacometti - Neu gesehen

Giacometti - Die Spielfelder

Concrete – Fotografie und Architektur

fear — Wed, 15 May 2013 02:48:00 +0200

Schlagworte:

Fotografie; Fotographie; Photografie; Photographie

Architekturen und Städte sind Körper und Bilder zugleich. Sie werden unmittelbar körperlich, sinnlich, aber ebenso über Bilder erlebt. Bilder sprechen eine eigene Sprache, bieten einen anderen Diskurs als die körperliche Erfahrung von Architektur. Sie verwandeln Volumen in Fläche, sie destillieren Materie zu Form und Zeichen. Fotografie formt Architektur, verformt sie, vergrössert, verkleinert, erhöht oder erniedrigt sie, akzentuiert sie, aber kaum je wird Architektur «in Ruhe gelassen».

«Concrete – Fotografie und Architektur» will sich dem eigentümlichen, vielfältigen Verhältnis von Architektur und Fotografie auf verspielte, erzählerische und dialektische Weise annähern. Die Ausstellung fragt nach Historie und Ideologie, aber auch ganz konkret nach Form und Materie im fotografierten Bild.

Die visuelle Anziehungskraft von zerstörten oder zerfallenen Gebäuden wird ebenso thematisiert, wie wuchtige Macht- und Abgrenzungsdemonstrationen, aber auch Fragilität und Schönheit einer Architektur auf Zeit. Inwiefern beeinflusst die Fotografie nicht nur die Wahrnehmung, sondern auch die Gestaltung von Architektur? Wie wird Architektur im Bild lebendig, wann wird sie unheimlich? Wie wachsen Siedlungen zu Städten zusammen? Oder soziologischer gefragt: Wieso verschränken sich Arbeit und Leben in Zürich und Winterthur anders als in Kalkutta? Und wie lassen sich Wolkenkratzer und Wohnräume in die flache Welt der Fotografie übertragen?

«Concrete – Fotografie und Architektur» ist jedoch nicht chronologisch geordnet. Stattdessen wird mit markanten Setzungen, Gegenüberstellungen und thematischen Feldern gearbeitet, die Konkretes, Grundsätzliches und Historisches miteinander verbinden. Neben Alltagsarchitektur und Prachtbauten, strukturierenden horizontalen und vertikalen Achsen, neben Haus und Heim, Utopien, Plan und Wirklichkeit wird auch die anziehende Vergänglichkeit der Architektur durch den Zahn der Zeit, durch natürliche und absichtliche Zerstörungen eine wichtige Rolle spielen. Fast scheint es, als wolle die Fotografie die in Stein gehauene und in Beton gegossene Wucht und Macht moralisch auch an ihre Schwäche erinnern.

Die Architektur ist seit jeher ein grossartiger und heftig debattierter Schauplatz von Zeitgeist, Weltanschauung, Alltag und Ästhetik. Sie ist gewagte Materialisierung von privaten und öffentlichen Visionen, Gebrauchskunst und Avantgarde zugleich, und sie ist auch, wie Slavoj Žižek schreibt, «Stein gewordene Ideologie». Fotografie und Architektur sind beide aber auch ganz selbstverständlich in unserem Alltag verankert, sie begegnen uns täglich – oft unbewusst – auf Schritt und Tritt, und beeinflussen unser Denken, Handeln und Sein auf untergründige, nachhaltige Art und Weise. «Concrete – Fotografie und Architektur» gibt visuelle Antworten auf die Frage, was das innige und doch so komplizierte Verhältnis zwischen Architektur und Fotografie, zwischen Architekt und Fotograf auszeichnet.

Die Ausstellung zeigt über 400 Fotografien und Werkgruppen aus dem 19., 20. und 21. Jahrhundert, von William Henry Fox Talbot, Domenico Bresolin und Charles Marville über Germaine Krull, Lucia Moholy bis zu Julius Shulman, und schlägt einen Bogen zu zeitgenössischen Positionen wie Georg Aerni, Iwan Baan, Luisa Lambri und Hiroshi Sugimoto. Forschungsprojekte wie die fotografische Langzeitbeobachtung Schlierens oder Wolfgang Scheppes Migropolis verdeutlichen, dass künstlerische Fotografie als Instrument von Forschung und Erkenntnis eine zunehmend wichtigere Rolle spielt.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein reich illustriertes Buch im Verlag Scheidegger & Spiess mit rund 300 Farb-und S/W-Abbildungen, Essays von Jochen Becker, Johannes Binotto, Verena Huber Nievergelt, Michael Jakob, Nicoletta Leonardi, Lorenzo Rocha, Caspar Schärer, Aveek Sen und Urs Stahel sowie einem Gespräch mit Annette Gigon, Meret Ernst und Armin Linke.

Concrete – Fotografie und Architektur
2. März bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-02

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Fotomuseum Winterthur

Dieter Hanitzsch – Gut getroffen

fear — Wed, 15 May 2013 02:03:00 +0200

Schlagworte:

Dieter Hanitzsch; Hanitzsch Dieter; Hanitzsch, Dieter; Hanitzsch

Dieter Hanitzsch, geboren 1933 in Böhmen, ist gelernter Bierbrauer, Diplom-Brauerei-Ingenieur und Diplomkaufmann. Nach dem Studium wurde er zuerst einmal Werbeleiter einer Münchner Großbrauerei, für die er 1964 den Slogan «Gut, besser, Paulaner» erfand. Damit hatte Hanitzsch von der Brauereikarriere genug und wechselte zum Bayerischen Fernsehen, um dort über zwanzig Jahre lang vorwiegend als Wirtschaftsredakteur zu arbeiten.

Schon während des Studiums zeichnete Hanitzsch politische Karikaturen für die «Süddeutsche Zeitung» und die «Abendzeitung». Er veröffentlichte viele Karikaturenbücher, die erfolgreichsten über Franz Josef Strauß. 1985 machte Hanitzsch, damals BR-Abteilungsleiter, sein Hobby Zeichnen zum Hauptberuf. Er war zwölf Jahre Chefkarikaturist der «Quick» und zeichnet heute für die «Süddeutsche Zeitung» und andere Publikationen. Die Breite seines Könnens beweist er mit einer Vielzahl von Entwürfen für Oktoberfest-Bierkrüge und Werbung. Als Besonderheit bewahrt das Münchner Stadtmuseum die Figuren von Franz Josef Strauß und Hans Jochen Vogel, die der Kabarettist Jörg Hube 1975 und 1981 in seine Programme aufnahm.

Seit 2004 sendet das Bayerische Fernsehen wöchentlich seine animierte politische Zeichenglosse «Der große Max - aus dem Tagebuch des CSU-Bundestagsabgeordneten Max Froschhammer». Seit 2007 ist Hanitzsch ständiger Gast am «Sonntags-Stammtisch» des Bayerischen Fernsehens. Hanitzsch erhielt zahlreiche Preise: «Schwabinger Kunstpreis» 1984, Erster Preis der «Gothaer Karikade» 1995, «Kulturpreis des Beszirks Oberbayern» 1998, «Publizistik-Preis» der Stadt München 2001. Er ist Träger des Bundesverdienstkreuzes und des Bayerischen Verdienstordens. Dieter Hanitzsch lebt mit Ehefrau Mercedes in München-Waldperlach. Das Münchner Stadtmuseum ehrt den «Vielfalt»-Münchner zu seinem 80. Geburtstag mit dieser Ausstellung.

Gut getroffen
Dieter Hanitzsch – 50 Jahre Karikaturist in München
20. März bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-20

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Münchner Stadtmuseum

Boris Mikhailov. Die Bücher. 1968 - 2012

fear — Tue, 14 May 2013 02:44:00 +0200

Schlagworte:

Boris Mikhailov; Mikhailov Boris; Mikhailov, Boris; Mikhailov

Mit Boris Mikhailov ehrt die Stiftung Niedersachsen einen der herausragenden Fotografen der Gegenwart. Anlässlich der Verleihung des renommierten «Spectrum»-Preises zeigt das Sprengel Museum Hannover ab Februar 2013 die Ausstellung «Boris Mikhailov. Die Bücher. 1968 - 2012». Es ist die bislang umfangreichste Retrospektive des Künstlers: Rund 20 Bildzyklen von Mikhailov stellen ihn erstmals explizit als «Büchermacher» vor, als jemanden, der sein Werk in Buchform denkt und entwickelt.

1938 in Charkow (Ukraine, ehemals UdSSR) geboren, gilt Boris Mikhailov als Chronist der Geschichte seiner Heimat. In umfangreichen Bildzyklen widmet er sich dem Alltag in der sowjetischen bzw. postsowjetischen Gesellschaft. Auf Straßen, am Strand, bei Tanzveranstaltungen – Mikhailov fotografiert überall dort, wo Gesellschaftliches im Privaten und Privates im Gesellschaftlichen sichtbar wird. Die Fotografien werden zum Material, von dem aus Mikhailov das Gemeinwesen hinterfragt und die Bedingungen für menschliche Existenz untersucht. Die eigene Biografie dient dabei häufig als Referenz: Der Akt des Fotografierens und die darin verborgenen Machtverhältnisse werden reflektiert.

Pop-Status erfährt Boris Mikhailov in der UdSSR der ausgehenden 1970er- Jahre u. a. mit der Installation «Yesterday's Sandwich / Superimpositions» (1968-1975), in der er jeweils zwei Diapositive übereinanderlegt, projiziert und sie mit Musik von Pink Floyd unterlegt. Die Vielzahl der Überlagerungen von Zeichen, Farben und Formen bietet eine nahezu psychedelische Sinneserfahrung, in der Intimes, Privates und Öffentliches nicht mehr voneinander zu trennen sind. Nach mehr als zwei Jahrzehnten wird diese Diashow nun wieder zu sehen sein.

Die Arbeit in umfangreichen Serien und in Buchform stellen bei Mikhailov auch Stategien dar, einer normativen Wahrheit entgegenzuwirken. Seit den frühen 1980er-Jahren kommt die Arbeit mit der Schrift dazu und neuerdings – in Hannover erstmalig zu sehen – auch die Arbeit mit der Zeichnung. Die in der UdSSR existierenden restriktiven Formen von Öffentlichkeit führen dazu, dass die Arbeit am originalfotografischen Buch ins Zentrum rückt. Das leicht zu transportierende Buchobjekt, das anderenorts mit Freunden diskutiert und schnell auch mal vor unbefugten Augen vorborgen werden kann, ist – bis gegen Ende der 1980er-Jahre – die finale Werkform.

Das Besondere an Mikhailov als «Büchermacher» ist, dass er die Fotografie in Sequenzen und Abfolgen, in Zwischenräumen und Schnitten, in den Formen der Montage denkt und entwickelt. In der Zusammenschau ergeben die häufig nur in einem Exemplar existierenden originalfotografischen Bücher und Buchentwürfe eine Retrospektive ganz eigener, intimer Art. Darüber hinaus werden ausgewählte Arbeiten im großen Format präsentiert. Zur Ausstellung erscheint eine umfangreiche Publikation.

Boris Mikhailov. Die Bücher. 1968 - 2012
24. Februar bis 20. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-24

Ende der Ausstellung:

2013-05-20

Verweis auf Adresse:

Sprengel Museum Hannover

Verweis auf KO-Inhalte:

Boris Mikhailov. Time is out of joint

Gedanken an die Vergangenheit

Heldenzeiten

Architektur für Generationen

fear — Mon, 13 May 2013 02:41:00 +0200

Die Überalterung der Gesellschaft stellt die westlichen Industrienationen vor große Herausforderungen. Das betrifft nicht nur den Umbau der sozialen Sicherungssysteme, sondern auch den Umbau von privaten Wohn- wie öffentlichen Stadt- und Verkehrsräumen. Bislang sind allerdings nur fünf Prozent des aktuellen Wohnungsbestandes altengerecht ausgelegt. Und das obwohl 93 Prozent der heutigen Generation 65plus in privaten Haushalten lebt und lediglich sieben Prozent in sogenannten Sonderwohnformen - Altenheime, Einrichtungen des betreuten Wohnens und speziell eingerichteten Altenwohnungen.

In den letzten fünfzehn Jahren hat es – bedingt durch die steigende Lebenserwartung und veränderte Lebensansprüche – eine Reihe von Verschiebungen hinsichtlich des Wohnens im Alter gegeben: Die Generation der heute über 65-jährigen möchte nicht mehr als Leistungsempfänger, sondern als Kunde wahrgenommen werden. Ihren eigenen Lebensstil ist sie bereit an das Alter anzupassen, keinesfalls aber zugunsten einer Welt des «Alten-Designs» komplett aufzugeben.

Die Herausforderung besteht in Zukunft weniger darin einen spezifisch für das Alter erschaffenen Wohnraum zu schaffen, als Räume so zu entwerfen und zu gestalten, dass sie sich an das Alter ihrer Nutzer und deren körperliche und geistige Fähigkeiten flexibel anpassen lassen. Das barrierearme Wohnen in den eigenen vier Wänden muss als das eigentliche Zukunftsmodell angesehen werden, nicht zuletzt weil das Wohnumfeld und dessen gewachsene Netzwerke soziale Einbindung garantieren.

Die Ausstellung «Netzwerk Wohnen. Architektur für Generationen» versteht sich als Plädoyer für eine Normalisierung des Themas Wohnen im Alter. Alle 35 präsentierten Wohnungsbauten zeigen, dass das Wohnen im Alter im besten Fall die bestehenden Lebensgewohnheiten fortsetzt. Zugleich werden die sozialen Möglichkeiten beispielhaft aufgezeigt. Sei es alleinlebend im Einfamilienhaus, zusammen mit anderen im gemeinschaftlichen Wohnprojekt, oder in der Wohnung im mehrgeschossigen Wohnbau in einem Quartier mit selbstorganisierter Nachbarschaftshilfe – das Thema Wohnen im Alter hat vielfältige bauliche Ausprägungen und architektonische Facetten.

Um innovative Ansätze zu zeigen wurden für die Ausstellung bewusst Beispiele aus dem europäischen Kontext aber auch darüber hinausgehend ausgewählt. Neben Villen von Shigeru Ban, Sou Fujimoto, Atelier Bow-Wow und David Chipperfield Architects für ältere Bauherren stehen Mehrfamilienhäuser mit Gemeinschaftsflächen von Will Alsop, Baumschlager Eberle und Fink + Jocher Architekten. Altersgerechter Umbau in der Schweiz wird ebenso thematisiert wie betreutes Wohnen in Luxemburg, Renovierungen in Deutschland sowie ein revitalisiertes Dorf in Italien. Ergänzt werden die zeitgenössischen Wohnprojekte von historischen Häusern von Le Corbusier, Robert Venturi, Philip Johnson und Richard Rogers. Alle diese Projekte nähren die These, dass zumindest einzelne Architekten das Thema immer schon – ob unterschwellig oder ganz dezidiert - in ihren Entwürfen mit reflektiert haben.

Alle 35 Projekte werden in Plänen, Modellen, Fotografien und Kurzfilm-Dokumentationen präsentiert. Die gesamte Ausstellungsfläche wird dabei als große, erlebbare Wohnfläche inszeniert. Die Frankfurter Fotografin Barbara Klemm konnte dafür gewonnen werden, die heutige Vielfalt der Lebensbiografien älterer Menschen in einer Serie von eindrucksvollen Bildern zu dokumentieren; sie bilden den Auftakt der Ausstellung. Darüber hinaus gibt es einzelne Themenschwerpunkte zu den Bereichen Produkt-Design, Assistenzsysteme, intelligente Gebäudetechnik und Mobilität (E-Bike, Rollator, Einkaufswagen, Car-Sharing).

Publikation: Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog in Deutsch-Englisch im Prestel-Verlag, München, hg. von Annette Becker, Peter Cachola Schmal, Claudia Haas.

Netzwerk Wohnen. Architektur für Generationen
16. Februar 2013 bis 19. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-16

Ende der Ausstellung:

2013-05-19

Verweis auf Adresse:

Deutsches Architekturmuseum

Shades of Time

fear — Mon, 13 May 2013 02:22:00 +0200

Schlagworte:

Annelies Štrba; Štrba Annelies; Štrba, Annelies; Štrba; Annelies Strba; Strba Annelies; Strba, Annelies; Strba

Die Ausstellung «Shades of Time» befasst sich mit dem Thema Zeitlichkeit und stellt Fragen nach Erinnerung, Spurensuche und dem Umgang mit Vergangenem. Der Ausstellungstitel bezieht sich auf die gleichnamige Diainstallation der aus Zug stammenden, international renommierten Künstlerin Annelies Štrba (*1947). Der gemeinsame Ankauf dieser Arbeit von Kunsthaus Zug und Bund sowie eine grosszügige Schenkung der Künstlerin bilden den Anlass, ihr Werk nach 2001 erneut umfassend im Kunsthaus Zug zu zeigen; neben eigenen Beständen sind auch neueste Arbeiten zu sehen. Parallel werden Werke der Zuger Künstler Lukas Hoffmann (*1981) und Markus Kummer (*1974) sowie der Obwaldner Künstlerin Anna-Sabina Zürrer (*1981) vorgestellt.

Annelies Štrba befasst sich in ihrem künstlerischen Schaffen hauptsächlich mit der eigenen Familie, die sie in flüchtigen Momentaufnahmen über Jahrzehnte aufnimmt und damit in einer unscharfen Zeitzeichnung festhält. Shades of Time ist auch der Titel der gesamten, dialogisch aufgebauten Ausstellung. So lenkt Lukas Hoffmann mit seinen schwarz-weiss Fotografien den Blick auf unscheinbare Waldabschnitte, karge Landschaften oder architektonische Strukturen und thematisiert Zeit als Spurensuche. Markus Kummer untersucht Architektur und Raum in Bezug auf Zeit und Vergänglichkeit.

Seine Konstruktionen und räumlichen Interventionen aus billigem Baumaterial wie Beton, Gips und Holzlatten erwecken den Eindruck des Unbeständigen, des Fragilen und Provisorischen. Bei Anna-Sabina Zürrer stellen sich hingegen Fragen nach Erinnerung, Aufbewahrung und dem Umgang mit Vergangenem. Die an sich unsichtbare Zeit materialisiert sich in den Werken der gezeigten Kunstschaffenden facettenreich, wenngleich immer still, melancholisch und gerade dadurch kraftvoll. Die Ausstellung Shades of Time lässt Fragen nach Vergänglichkeit, Reflexion und Prozessualität genauso anklingen, wie jene nach dem Leben der Dinge, der Landschaften und des Menschen im Spiegel der Zeit.

Shades of Time
23. März bis 19. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-23

Ende der Ausstellung:

2013-05-19

Verweis auf Adresse:

Kunsthaus Zug

Giacometti - Die Spielfelder

fear — Sun, 12 May 2013 02:43:00 +0200

Schlagworte:

Alberto Giacometti; Giacometti Alberto; Giacometti, Alberto; Giacometti

Ab Januar 2013 ermöglicht die Hamburger Kunsthalle einen neuen Blick auf die Kunst von Alberto Giacometti (1901-1966) und macht dabei deutlich, warum das Werk des bedeutendsten Bildhauers des 20. Jahrhunderts bis heute wegweisend ist. Dafür werden erstmals überhaupt Giacomettis in Deutschland kaum bekannte surrealistische Frühwerke zum Ausgangspunkt genommen und ihre Folgen für das gesamte, berühmte Nachkriegswerk aufgezeigt: In den fragilen Unikaten aus Holz, Marmor und Gips der 1930er Jahre richtet Giacometti die Skulptur horizontal aus und entwickelt mit diesen tischbrettgroßen «Spielfeldern» das bis in die heutige Kunst reichende Konzept der «Skulptur als Platz».

Die Ausstellung verfolgt diese Idee über die bekannten Sammelskulpturen der Nachkriegszeit, mit ihrer typisch überlängten Formensprache, bis hin zu Giacomettis spektakulären überlebensgroßen Skulpturen für seine Gestaltung des Vorplatzes der Chase Manhattan Bank in New York von 1960. Die teils fast drei Meter hohen Figuren bilden im Spätwerk wie in der Ausstellung den Höhepunkt der Suche nach einer idealen Platzgestaltung zwischen Kunst und Leben. Das Projekt für die Chase Manhattan Plaza wird vollständig in seiner Modell- sowie in seiner monumentalen Version gezeigt: mit den weltberühmten Figuren «Schreitender Mann II» (1959-60), «Große Stehende II» (1960) und «Großer Kopf» (1960). Mit diesem Werkkomplex wird der Boden der Galerie der Gegenwart zur Spielfläche und die Ausstellung zum Träger des zentralen Themas der Schau, nämlich zum inszenierten Spielfeld für die Besucher selbst.

Der neuartige, themenspezifische Werküberblick legt erstmals offen, wie sehr Werk und Sockel, Präsentiertes und Präsentationsform bereits in den surrealistischen, so genannten Spielbrett-Skulpturen ineinander fallen und sein ganzes Oeuvre bestimmen. Entscheidend wird die bedeutungsvolle Positionierung der einzelnen, geheimnisvoll auf Eros, Tod und Erinnerung anspielenden Elemente. Bislang kaum bekannte Zeichnungen aus Privatsammlungen eröffnen zudem eine bisher unentdeckte, weitergehende Wahrnehmung: Giacometti zeichnet winzige menschliche Figuren in die Spielflächen und macht deutlich, dass die Skulpturen als Modelle auf große öffentliche Platzgestaltungen verweisen. Hier sollte der Betrachter in aktiv-handelnden, körperlichen Austausch mit der Kunst treten. Die tischbrettgroßen «Spielfelder» sind somit als Experimentierfelder für größenmaßstäbliche, den Menschen einbeziehende Platz-Realisierungen zu verstehen. Damit nimmt Giacometti die «Environment»-Kunst der 1960er Jahre voraus, in denen die Umgebung zum Teil des Werkes wird.

Keines der frühen wie späteren Schaumodelle wurde endgültig als öffentliche Platzgestaltung umgesetzt. Giacometti vergrößerte aber einzelne Elemente für sich selbst und umgab sich über Jahrzehnte damit in seinem winzigen Pariser Atelier, das «mit der Zeit immer größer wurde» (Alberto Giacometti). Ihre bedeutungsvollen, wie in einem Gedächtnistheater arrangierten Platzierungen auf dem Atelierboden hielt er sorgsam fest. Die Ausstellung ermöglicht mit zahlreichen Gemälden, Zeichnungen und Photographien aus verschiedenen Schaffensperioden teils bisher ungesehene Einblicke in diesen außergewöhnlichen Produktions- und Präsentationsort. Denn auch das Atelier war Giacomettis «Spielfeld»: Es wurde zur Bühne, auf welcher der Künstler sich selbst und seine Schöpfungen inszenierte. Dieser zu Recht zum Mythos gewordene Arbeitsraum wird in seiner räumlichen Gedrängtheit und zugleich ideellen Bedeutung in der Ausstellung erstmals erlebbar.

Die groß angelegte Schau umfasst über 200 ausgewählte Werke. Darunter befinden sich 40 zum Teil bislang kaum ausgeliehene Holz-, Marmor-, Gips- und Bronzeskulpturen sowie rund 30 Ölgemälde, zudem Zeichnungen und Photographien aller Werkphasen aus internationalen Museen und Privatsammlungen. Präsentiert wird so die ganze Spannweite und Aktualität von Giacomettis Kunst: Innerhalb der Formensprache von der Blockhaftigkeit zur fragilen Entmaterialisierung, innerhalb der Raumauffassung vom winzigem Produktionsort zum inszenierten Präsentationsort und innerhalb des Skulpturenbegriffs vom individuellen Objekt zum architekturbezogenen, überlebensgroßen «Environment».

Giacometti - Die Spielfelder
25. Januar bis 19. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-01-25

Ende der Ausstellung:

2013-05-19

Verweis auf Adresse:

Hamburger Kunsthalle

Verweis auf KO-Inhalte:

Giacometti. Die Donationen

Giacometti in Berlin

Alberto Giacometti in Duisburg

Ein Sucher nach der Wahrheit

Der Aufbruch zur Avantgarde

Der Ursprung des Raumes

Das Sehen im Werk

Alberto Giacometti - Retrospektive des reifen Werkes

Alberto Giacometti - Neu gesehen

Alberto Giacometti. Begegnungen

Das Paradies ist hier

fear — Sun, 12 May 2013 01:40:00 +0200

Schlagworte:

Frank Darius; Darius Frank; Darius, Frank; Darius

Frank Darius zeigt Bilder der Leere, in denen die Natur, anders als in seinem letzten Buch Willkommen im Garten, auf minimale Spuren reduziert ist: Die geknickten Gräser auf einer Schneefläche werden zu kalligraphischen Zeichen, das Schilf im Wasser zu schwimmenden Linien auf weißem Grund, die sich an einem Drahtgeflecht windenden zarten Linien entpuppen sich als Hopfenschnüre vor einer hellgrauen Himmelsfläche.

Jetzt geht Darius vom Garten zum Paradies. Sein Paradiesgarten gehört zum Bereich jenseits der Dichotomie Natur/Kultur, die reduzierten Zeichen sind wie Hinweise auf die bewusste Ausblendung kultureller Aggression. Darius geht das Wagnis ein, seinen Beitrag zur Wiederverzauberung der Welt in Bildern von unverbrüchlicher Schönheit zu leisten. Er zeigt auf, dass sich das Paradies im Innersten eines jeden von uns findet, unter vielen Schichten der Wahrnehmung. Und dass das Fühlen immer vor der Ratio steht.

«Frank Darius reduziert in seinen Naturbildern die Welt auf feinste poetische Strukturen. »Was ist Natur wirklich?« fragt sich Darius in seinen Werken, in denen kleinste Momente des Lebendigen, Zweige, Blätter und dürres Geflecht von Schnee, Nebel oder Wasser beinahe ausgelöscht werden. Darius zeigt mit einer radikal ehrlichen Bildsprache: Die Welt ist ein Innenraum, der sich als ein unaufhaltsamer poetischer Prozess entfaltet. Der Betrachter spürt: Auch wir sind Welt, die wirkliche Welt aber enthüllt sich zugleich als unser Inneres.

Eine solche Haltung beendet unsere postmoderne Beschwörung der Gebrochenheit. Denn der Bruch ist in der Lebendigkeit selbst. Wir tragen ihn mit uns als Lebensfunken, der allein das Schöne zu sehen erlaubt. Das Paradies kann demnach nirgendwo anders sein als hier. Es zeigt sich, aber nur im Erblicktwerden.» (Andreas Weber, in: Frank Darius: «Das Paradies ist hier», Ausstellungskatalog Kehrer Verlag Heidelberg 2013)

Das Paradies ist hier
23. März bis 19. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-23

Ende der Ausstellung:

2013-05-19

Verweis auf Adresse:

Alfred Ehrhardt Stiftung

Maschinensehen

fear — Sun, 12 May 2013 01:34:00 +0200

Die Ausstellung «Maschinensehen» gibt Einblick in die aktuelle Praxis der totalen Vermessung der Welt durch elektronische Sensoren. Die auf diese Weise erzeugten Daten dienen schon lange nicht mehr allein der wissenschaftlichen Erkenntnis. Sie sind die Basis zahlreicher Entscheidungen in Medizin, Industrie und Politik, beim Militär und der Polizei, mit weitreichenden Folgen für das Individuum und die Gesellschaft.

In Form von künstlerischen, filmischen Essays und Fotografien präsentiert «Maschinensehen» die Ergebnisse einer dreijährigen Feldforschung in jenen Labors und Instituten, in denen die Vermessungs- und Visualisierungstechnologien entwickelt und getestet werden, die unsere Welt, von der Öffentlichkeit weitgehend unbemerkt, verändern.

Unzählige Kameraaugen und Sensoren sind heute auf die Welt gerichtet. Sie erfassen Landmassen und Meeresböden, die Oberflächen von Pflanzen, menschlichen und tierischen Körpern sowie die Beschaffenheit der Atmosphäre. Durch aufwendige Rechenprozesse werden die so gewonnenen Messdaten für das menschliche Auge in Bilder übersetzt oder direkt in die automatisierte Steuerung von Maschinen transformiert. «Ziel war es, die aktuellsten fotografischen bzw. bildgrafischen Verfahren zu erkunden, und zwar an jenen Orten, an denen sie entwickelt und angewendet werden. Die Dokumentation in unterschiedlichsten Formaten – Film, Fotografie, Zeichnung, Schrift – sollte helfen zu verstehen, welche Veränderungen diese neuen Verfahren für unsere Gesellschaft mit sich bringen. Die Hoffnung war, eine Ästhetik im Entstehen beobachten zu können, während sie sich industriell oder kommerziell verbreitet und bevor sie in das Vokabular der Künste integriert wird.» (Armin Linke, HfG Karlsruhe)

Die StudentInnen dokumentierten vor Ort die Geräte, Räumlichkeiten, Personen, wissenschaftliche Modelle und Fachbegriffe, die im Prozess der Produktion und Analyse von Sensordaten zusammenwirken. Sie beobachteten Forscher, Entwickler und Anwender bei der Vermessung unterschiedlichster Objekte: bei der Erfassung der Erdatmosphäre, der Grenzen von Küstenstaaten, der Abläufe im Gehirn, der Struktur von Leichnamen und der räumlichen Lage der Euter von Milchkühen. Wie ist die Atmosphäre zusammengesetzt, wo verläuft der Festlandsockel, was geschieht physisch, wenn wir eine Entscheidung fällen, wie ist das Individuum zu Tode gekommen und wie kann ein Melkroboter die Zitzen finden?

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit Beiträgen von Anselm Franke, Inge Hinterwaldner, Bruno Latour, Margarete Pratschke, Margit Rosen, Henning Schmidgen sowie Henning Arnecke, Lisa Bergmann, Felix Mittelberger, Christoph Oeschger und Elke Reinhuber. «Maschinensehen. Feldforschung in den Räumen bildgebender Technologien», hrsg. von Felix Mittelberger, Sebastian Pelz, Margit Rosen und Anselm Franke, Leipzig: Spector Books, 2013.

Maschinensehen
Feldforschung in den Räumen bildgebender Technologien
2. März bis 19. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-02

Ende der Ausstellung:

2013-05-19

Verweis auf Adresse:

ZKM

Chagall. Meister der Moderne

fear — Sat, 11 May 2013 02:49:00 +0200

Schlagworte:

Marc Chagall; Chagall Marc; Chagall, Marc; Chagall

Vom 8. Februar bis zum 12. Mai 2013 zeigt das Kunsthaus Zürich eine Ausstellung mit rund 90 Gemälden und Arbeiten auf Papier von Marc Chagall (1887–1985). Chagall gehört zu den berühmtesten und beliebtesten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Seine Bilder vom russischen Dorfleben, seine schwebenden Figuren, fliegenden Kühe und Hähne sind weltbekannt. Jetzt korrigiert das Kunsthaus Zürich manches Klischee, das Chagalls späten Ruhm begründete und würdigt seinen Beitrag zur Avantgarde.

Die Ausstellung konzentriert sich auf die für die Karriere des Künstlers entscheidenden Jahre 1911–1922. Bedeutende Stationen sind sein Aufenthalt in Paris vor dem Ersten Weltkrieg, seine Reise nach Berlin und eine Ausstellung dort im Jahr 1914 in der Galerie der Sturm sowie die Zeit, die er in seinem von der Revolution destabilisierten Heimatland Russland verbrachte. Es sind die Jahre, in denen sich Chagall als Meister der Moderne etabliert.

Im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen entwickelt er eine Kunst, die sowohl seine jüdisch-russische Kultur zum Ausdruck bringt als auch den Dialog mit den Bildsprachen der Moderne – vom Fauvismus zum Kubismus und Orphismus, vom Expressionismus bis zum Suprematismus. Indem er diese neuen malerischen Ausdrucksformen mit seinen eigenen fantasievollen Motiven kombiniert, entstehen einige der innovativsten und expressivsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts. Seine Erfahrungen in Paris und andernorts festigen seine sehr persönliche, individuelle Bildsprache und regen ihn zu Bildern an, die für den Rest seiner Karriere das Herzstück seiner Kunst bilden.

Das Themenspektrum in Chagalls frühen Werken ist breit gefächert und zeitlos: Selbstporträts, der Zirkus, Liebende, Musik und Bauern kehren neben düstereren Themen wie Leiden und Tod in seinem langen Schaffen immer wieder. Die Ausstellung eröffnet mit bedeutenden Bildern aus seinen Lehrjahren, wie etwa «Der Dichter mit den Vögeln» von 1911, das vom Minneapolis Institute of Arts ausgeliehen wird, oder «Die Geburt» (1911) aus einer privaten Sammlung. Der Besucher kann sich an thematischen Gruppen orientieren: Werke aus den ersten Pariser Jahren, Akte, eine Hommage an Russland, Einflüsse des Kubismus, des Suprematismus und Orphismus, Entwürfe für das Theater. Eine Gruppe mit späteren Werken zeigt, dass Chagall das Repertoire aus seinen frühen Schaffensjahren bis zum Ende seiner langen Karriere weiterentwickelte.

Chagall geht immer aufgeschlossen, fantasievoll an die Kunst heran. Er zelebriert subjektive und autobiografische Erfahrungen auf eine überaus narrative und theatralische Weise. Kein Wunder, dass er regelmässig als Bühnenbildner tätig war. Darstellungen der archetypischen jüdischen Charaktere wie Volksmusiker, Narren oder Zeremonienmeister, Thora-Schriftgelehrte und Hochzeitstänzer symbolisieren Musik, Drama, Literatur und Tanz. Die Verbindung einer grossen Erzählkunst mit Chagalls charakteristischer unorthodoxer Kompositionsstruktur, die kühne Verwendung von Farbe und das poetische Empfindungsvermögen des Künstlers macht insbesondere die monumentalen «Der Spaziergang» (1917-18) aus dem Staatlichen Russischen Museum Sankt Petersburg oder «Ich und das Dorf» (1911) aus dem Museum of Modern Art, New York, zu Ikonen der Malerei der klassischen Moderne.

Die Ausstellung wird von der Familie Chagall sowie dem Comité Chagall in Paris unterstützt und reist anschliessend weiter an die Tate Liverpool. Die Kuratoren Simonetta Fraquelli und Tobia Bezzola können mit zahlreichen Leihgaben aus berühmten europäischen und amerikanischen Sammlungen rechnen: aus dem Centre Pompidou – MNAM (Paris), dem Solomon R. Guggenheim Museum und dem MoMA (New York), dem Staatlichen Russischen Museum (Sankt Petersburg) und der Tate (London).

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog (200 Seiten) mit Beiträgen von Simonetta Fraquelli, Angela Lampe, Monica Bohm-Duchen und Stephanie Straine. Neben den Essays enthält die Publikation Abbildungen der ausgestellten Werke, Vergleichsabbildungen sowie biografische Angaben zu Marc Chagall. Sie erscheint als deutsche und als englische Ausgabe im Verlag Hatje Cantz und ist ab Februar am Kunsthaus-Shop sowie im Buchhandel erhältlich.

Chagall. Meister der Moderne
8. Februar bis zum 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-08

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Kunsthaus Zürich

Verweis auf KO-Inhalte:

Magie des Lichts

Marc Chagall - Lebenslinien

Chagall surréaliste – Chagall littéraire

25 Years of Animation

fear — Sat, 11 May 2013 02:35:00 +0200

Schlagworte:

Pixar

Abenteuerlustige Spielzeugfiguren, quicklebendige Rennautos und eine Ratte als Chefkoch – Die Ausstellung «Pixar. 25 Years of Animation» im MKG ermöglicht einen Einblick in den spannenden Entstehungsprozess des Animationsfilms und zeigt wie die Macher die Helden aus Toy Story, Findet Nemo, Ratatouille, Cars oder Merida – Legende der Highlands entwickeln und zum Leben erwecken.

Zwar spielen Computer beim Animationsfilm eine die tragende Rolle, ohne die individuellen künstlerischen Fähigkeiten des Kreativ-Teams wären die Filme jedoch nicht denkbar. Über 500 Exponate geben einen Einblick in den Schaffensprozess der Filmemacher.

Die Ausstellung widmet sich den Kreativen, den Illustratoren, Grafikdesignern und Modellbauern, die hinter den beliebten Filmfiguren stehen und stellt die große Bedeutung der angewandten Künste für den Animationsfilm vor. Denn der künstlerische Prozess vollzieht sich, lange bevor die Arbeit am Computer beginnt. Die gestalterischen Grundlagen jedes Films werden zunächst mit den als traditionell angesehenen künstlerischen Methoden wie Zeichnung, Malerei, Pastellmalerei oder Bildhauerei erarbeitet.

Die Charaktere werden erst im weiteren Prozess am Computer digital umgesetzt. Die Ausstellung zeigt Skizzen, Grafiken, Farbzeichnungen und Skulpturen aus den Filmwerkstätten der Pixar-Studios in Emeryville nahe San Francisco, ergänzt um zahlreiche Monitore, Projektionen und Touchscreens. Pixar, heute zur Walt Disney Company gehörend, begann im Jahr 1986 mit Kurz- und Werbefilmen. 1995 revolutionierte das Unternehmen mit Toy Story, dem ersten vollständig computeranimierten Film, das Genre Trickfilm. Seitdem sind dreizehn abendfüllende Spielfilme entstanden, die alleine in Deutschland über 40 Millionen Kinobesucher unterschiedlicher Altersklassen erreicht haben.

Pixar. 25 Years of Animation
27. Januar bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-01-27

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg

Heinz Egger. Mein lautloses Getriebe

fear — Sat, 11 May 2013 01:37:00 +0200

Schlagworte:

Heinz Egger; Egger Heinz; Egger, Heinz; Egger

Zu Beginn des neuen Jahres eröffnet das Museum Franz Gertsch im Kabinett eine wohlkomponierte Ausstellung mit Werken des Berner Künstlers Heinz Egger. Neue Gemälde und Einblicke in sein druckgrafisches Schaffen werden kombiniert mit der erstmaligen Präsentation aller Original-Tagebücher des Künstlers aus den letzten vierundzwanzig Jahren. Jeden Morgen, wenn Heinz Egger das Atelier betritt, wendet er sich seinem Tagebuch zu. Das Datum wird gestempelt, einige Eindrücke werden mit Bleistift notiert. Es können Bemerkungen zum Wetter oder zur Tagesform sein, aber auch Zitate, Gedanken, Beobachtungen. Eine Zeichnung mit Bleistift oder Kohle, eine Pinselskizze kommt hinzu. Etwas wird eingeklebt.

So verfährt Egger seit Jahren. Die Tagebücher dienen ihm als Kosmos seiner Vergangenheit und Gedankenwelt, sind aber auch Fundus für die Gegenwart und die Zukunft. In der Kabinettausstellung erlaubt der Künstler uns einen ausführlichen Blick in diese morgendlichen Notizen. Rund um die lange Reihe dieser vierundzwanzig Bände aus den vergangenen vierundzwanzig Jahren (1989–2012) sind aktuelle Ölgemälde, Arbeiten mit Gouache auf Karton und Tiefdrucke komponiert, die einen Eindruck von der leisen – aber den Besucher nie kaltlassenden – Bildwelt Eggers ermöglichen und aufzeigen, welchen Weg ein Werk von einer Skizze aus nehmen könnte.

Die Landschaften und Räume Heinz Eggers erschliessen sich meist nicht auf den ersten Blick. Man muss in die stillen Farbflächen und Pinselstriche eintauchen um dann allmählich eine mögliche Darstellung zu erkennen – manches bleibt auch offen, ist nicht genau zu entziffern. Aus der Ruhe schält sich bei der Betrachtung durchaus auch Dramatisches hervor. Eggers Arbeiten basieren oft auf einem kleinen «unbewachten» kreativen Moment, dessen Emotionalität dann aber bei der Ausführung vom Künstler ins Geistige übertragen wird. Dem unbewussten Anfang im Bewusstsein seiner Vergänglichkeit folgt eine Entwicklung in vielen malerischen Schichten, deren Schlusspunkt vom Künstler kontrolliert wird. Bei der Reihe von Zustandsdrucken seiner Pinselätzungen lässt der Künstler jedoch auch den Zufall mit ins Spiel kommen.

Heinz Egger (*1937) erhielt seine Ausbildung an den Hochschulen für Gestaltung Bern und Basel und an der Universität Bern und blickt auf eine lange Lehr- und Ausstellungstätigkeit (u.a. in der Kunsthalle Bern und im Kunstmuseum Solothurn) zurück. Sein künstlerisches Schaffen – genährt auch aus einer breiten Kenntnis der Literatur und Musik – ist weit gefächert und erstreckt sich über Malerei, Zeichnung und Druckgrafik bis hin zum Bühnenbild. Seit über fünfundzwanzig Jahren arbeitet er mit dem Schriftsteller Klaus Merz an Büchern und literarischen Publikationen zusammen. Der Künstler lebt und arbeitet in Burgdorf.

Der vielseitig begabte Maler und Zeichner Heinz Egger genoss nicht nur eine künstlerische sondern auch eine musikalische Ausbildung. Literarisch schlägt sein Herz (abgesehen von Klaus Merz) für Robert Walser, Thomas Bernhard, Gottfried Benn, Friedrich Hölderlin, Fernando Pessoa, W. G. Sebald u.v.a. Die beiden benachbarten Disziplinen Musik und Literatur schwingen durch Eggers bildnerisches Werk, das ohne sie kaum denkbar wäre. Ebenso findet das politische Geschehen – sei es das aktuelle oder Revolutionen und Kriege vergangener Tage – Eingang in seine Arbeit.

Inhaltlich kreisen Eggers Werke um Fragen der Erinnerung und Kindheit, Melancholie und Vergänglichkeit, Schönheit, um existentielle Bedrohungen und Abgründe, Gegensätze wie Licht und Schatten, Anziehung und Abstossung, aber auch um Erotik. In einem Interview mit Sabine Arlitt sagt er: «Für mich ist Malerei ohne Inhalt und Emotionen nicht denkbar. Meine Bildsprache dient als Transfer von unterschiedlichen Erfahrungen. Der Mensch muss stets spürbar, er muss immer erahnbar sein. Die Autonomie von Farbe und Form befriedigt mich nicht.» (2006)

Heinz Egger. Mein lautloses Getriebe
19. Januar 2013 bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-01-19

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Museum Franz Gertsch

"Bildskulpturen / Seelenlandschaften" in der Städtischen Galerie Wangen

fear — Fri, 10 May 2013 02:11:00 +0200

Kennengelernt haben sich Peter Demetz und Bruno Raetsch in den Jahren 2002 bis 2006. Während dieser Zeit war Peter Demetz leitende Lehrkraft im Studiengang Internationale Holzbildhauerkunst der Westsächsischen Hochschule Zwickau im Fachbereich Angewandte Kunst Schneeberg am Daetz-Centrum in Lichtenstein in Sachsen. Bruno Raetsch hat diesen Studiengang aufgebaut und geleitet.

In Wangen begegnen sich ausgewählte Werke beider Bildhauer. Ihr Fokus richtet sich auf die menschliche Figur, deren Besonderheiten in der Ausformung und deren Verhältnis zum Raum. Die individuellen, sich deutlich voneinander unterscheidenden Positionen machen einen großen Reiz der Schau aus.

Peter Demetzs mehrschichtig aufgebauten Flachreliefs gleichen «Bildskulpturen», die für die Wand gearbeitet sind. Sie gaukeln dem Betrachter mittels perspektivischer Verzerrung einen dreidimensionalen Raum vor, der in Wirklichkeit keiner ist. Dahinein platziert sind Frauen und Männer, die sich mit ihren fein geschliffenen Holzoberflächen so real geben als seien sie aus dem echten Leben gegriffen. In derart geschaffenen Parallelwelten aus bühnenartig gebauten Architekturen und gedankenverloren erscheinenden Menschen entwickelt sich ein Spannungsverhältnis aus Nähe und Distanz, aus Anziehung und Abstoßung. Diese Räume sind so was wie Ausschnitte, sie geben der Zeit, dem Licht und dem Raum selbst eine Begrenzung. Es sind Inszenierungen. Es sind gestellte Szenen. Sie beschreiben keine Geschichte, Begebenheit oder eine Handlung, sondern leben von der Wechselwirkung der einzelnen Elemente. (Peter Demetz in: Mirrored Stories von Adam Budak, Graz 2011)

Bruno Raetsch arbeitet ohne Modell und mit der Kettensäge, um sich auf den Kern zu konzentrieren. So versucht er der rationalen Kontrolle zu entgehen. Seine Skulpturen - allesamt männlich - tragen aufgerissene Oberflächen, die der samtig weichen, unverletzten Haut derjenigen Figuren von Peter Demetz diametral entgegenstehen. Ein subtil geführter Stechbeitel nähme den Skulpturen die Glaubwürdigkeit, Abbilder der vibrierenden Seelenlandschaft des Künstlers zu sein. (Stefan Dürre, Westwörld, 2003)

Bruno Raetsch mag keine Formen, in denen man sich sicher fühlt. Hierin verborgen liegt seine Sehnsucht nach Mythen, seine Faszination für Archetypen und Anachronismen, welches in der Wildheit und Rauheit der Werke seinen Ausdruck findet. Sobald die aus Holzblöcken gehauenen einsamen Jäger, Wanderer oder Hundeführer das Spielfeld betreten, glaubt man sich in einen überkommenen Natur-Zeit-Raum versetzt. Unter Einbeziehung kulissenhafter Zeichnungen in Schwarz-Weiß stellt Bruno Raetsch den Holzskulpturen Landschaftsszenarien im Sinne transzendierter Heimatbilder an die Seite.

Für beide Medien gilt: Hier empfinden Betrachter den Zauber von Pioniergeist und ahnen gleichzeitig dessen unbequeme Schattenseiten. Nicht umsonst entstehen auch Tableaus mit einsamen, verkrüppelten Nadelbäumchen oder trutzige Bunkerarchitekturen auf Felsen. Hier schwingt vielleicht der wehmütige, sensible Blick eines Caspar David Friedrich mit. (Susanne Altmann, Halle 2011)

Bildskulpturen / Seelenlandschaften
3. März bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-03

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Städtische Galerie In der Badstube

L/B - Struktur und Zufall

fear — Fri, 10 May 2013 01:54:00 +0200

Das Schweizer Künstlerpaar L/B (Sabina Lang *1972 / Daniel Baumann *1967) arbeitet an der Schnittstelle zwischen Malerei, Skulptur und Installation. Ihre Arbeiten kommen oft aus dem alltäglichen Umfeld der Gebrauchsfunktionen von Architektur oder Gestaltung – um im nächsten Moment in ebenso überraschender wie auch irritierender Weise gegen deren ästhetische Wirkung ausgespielt zu werden.

Ein Fussballspielfeld wird unversehens zu einer riesigen Ornamentfläche; Farbmarkierungen, im Straßenverkehr zur Verkehrsorientierung eingesetzt, mutieren zu abstrakt-dynamischen Bildflächen, Wendeltreppen zu frei schwebenden filigranen Skulpturen. Innenräume stülpen sich in transparenten Luftblasen nach außen und durchdringen so nicht nur die Gebäudebegrenzung, sondern auch die Grenzen zwischen Architektur und Skulptur, zwischen (Hohl-)Raum und Objekt.

Im Rahmen der Schweizerischen Landesausstellung Expo.02 entwarfen L/B das mobile Einzimmerhotel «Hotel Everland» als bis ins letzte Detail gestalteten skulpturalen Kleinbau, voll funktionsfähig und während der gesamten Laufzeit der Ausstellung komplett ausgebucht. Als weithin sichtbare bunte Dachskulptur reiste Hotel Everland später auf die Galerie für Zeitgenössische Kunst in Leipzig und zuletzt auf das Palais de Tokyo in Paris, wo es den Übernachtungsgästen einen atemberaubenden Blick direkt auf den Eiffelturm bot.

Unter der Regie von L/B verwandelt sich das WHM in eine spektakuläre Großinstallation, die die Gebäudearchitektur und Funktion des Hauses in vollkommen neuem Licht erscheinen lässt: Quer durch das Haus verlegte, über Treppen und Wände hinweglaufende, aufblasbare Schläuche verwandeln das Museum in das Bild einer kraftstrotzenden Großindustrieanlage – es scheint, als würden die Pipelines der BASF-Steamcracker plötzlich durchs Hack-Museum laufen und nun unter Hochdruck im Dienste der Kunst produzieren.

Dazwischen leuchten großformatige abstrakte Wandbilder auf, die eine flächigornamentale, bunte Gegenwelt zu den dreidimensionalen Schlauch-Strukturen bilden. Architektur, Installation, Skulptur und Malerei, Industrie- und Kunstwelt verschmelzen miteinander und wecken ein Bewusstsein für die wechselseitige Bedingtheit dieser unterschiedlichen Welten.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Buch mit einem Gesamtüberblick über die Projekte von L/B im Gestalten Verlag mit Texten von Akiko Miki, Fabrice Stroun, Sue Williamson, Reinhard Spieler und Cathrin Langanke, 220 Seiten, EUR 39,90. Das Buch enthält Installationsansichten und erscheint am 20.4. zur Museumsnacht.

L/B - Struktur und Zufall
17. März bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-17

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Wilhelm-Hack-Museum

Dialog über Grenzen. Die Sammlung Riese

fear — Fri, 10 May 2013 01:49:00 +0200

Mit «Dialog über Grenzen» stellt das Kunstforum die exklusive Sammlung des ehemaligen FAZ- und ARD-Journalisten Hans-Peter Riese vor. Die repräsentative Auswahl an Exponaten von Künstlern wie Klaus Staudt, Barbara Klemm, Günther Uecker, Eduard Steinberg, Grisha Bruskin oder Jan Kubíček und Zdeněk Sýkora zeigt parallele Stilentwicklungen im Osten und Westen während des Kalten Krieges auf.

Während seiner Korrespondententätigkeit u. a. in Prag, Bonn, Moskau und Washington trug der ehemalige ARD- und FAZ-Journalist Hans-Peter Riese (*1941) eine herausragende Sammlung von mehr als 300 Gemälden, Grafiken, Plastiken und Objekten zusammen. Die Ausstellung «Dialog über Grenzen. Die Sammlung Riese» im Kunstforum Ostdeutsche Galerie Regensburg zeigt eine repräsentative Auswahl des Bestandes, der sich schwerpunktmäßig auf die konzeptuelle und konstruktive Kunst sowie die Op-Art der 1960er und 1970er Jahre konzentriert.

Darüber hinaus lassen sich auch Beispiele des Informel der 1950er Jahre und der neuen Figuration finden. Eine Reihe bedeutender Künstler unterschiedlicher Herkunft wie Klaus Staudt, Barbara Klemm, Günther Uecker, Eduard Steinberg, Grisha Bruskin oder Jan Kubíček und Zdeněk Sýkora ist mit Werken vertreten. Im Parcours durch die Ausstellung stellt sich immer wieder die bislang kaum beleuchtete Frage nach der Parallelität von Kunstentwicklungen im Osten und Westen.

Die Präsentation im Kunstforum Ostdeutsche Galerie Regensburg beschließt die Ausstellungstournee mit Stationen in Kutná Hora/Prag, Düren, Erfurt, Schloss Achberg/Landkreis Ravensburg und Lübeck. Als Ergänzung zur 2008 gegründeten Michaela-Riese-Stiftung geht ein Teil der Sammlung im Anschluss an die Ausstellung als Stiftung in das Kunstforum Ostdeutsche Galerie über. Zur Ausstellungstournee erschien 2011 ein Katalog im Wieland Verlag, Köln, der im Museum für EUR 19,80 erhältlich ist.

Dialog über Grenzen
Die Sammlung Riese
17. Februar bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-17

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Kunstforum Ostdeutsche Galerie

Joachim Grommek – "… painting show"

fear — Thu, 09 May 2013 02:41:00 +0200

Schlagworte:

Joachim Grommek; Grommek Joachim; Grommek, Joachim; Grommek

Das Museum Haus Konstruktiv startet sein Jahresprogramm mit zwei Ausstellungen, die dem Wesen der Malerei auf der Spur sind. Neben dem USamerikanischen Maler Alex Katz wird eine Einzelausstellung des deutschen Künstlers Joachim Grommek (geb. 1957 in Wolfsburg, lebt und arbeitet in Berlin) gezeigt. Seit Beginn seiner Laufbahn verfolgt Grommek eine malerische Strategie, die mit Illusionen spielt und unsere Wahrnehmung auf die Probe stellt. Seine Arbeiten sind subtile Kommentare zu den Grundfragen der Malerei, sie täuschen unsere Sinne und lassen uns erst allmählich erkennen, dass sie nicht sind, was wir darin zu sehen glaubten.

Charakteristisch für seine Kompositionen sind klare geometrische Formen, kraftvolle Farben und Trompe-l’oeil-Effekte. Ausgangspunkt bildet nicht selten die Beschäftigung mit Leitfiguren aus der Kunst, denn oft fühlt man sich erinnert an Malewitsch, Mondrian, Palermo oder Ryman. Es handelt sich bei diesen Vorbildern um Künstler, deren Werke das Verhältnis von Realität, Bild und Material thematisieren und ihre eigenen Mittel hinterfragen. Grommeks Werke sind klare Statements, in denen er sich mit konkreten und minimalistischen Positionen auseinandersetzt und kunsthistorische Kategorien wie Original, Urheberschaft und Authentizität untersucht.

Im 4. Stockwerk des Museums wird Joachim Grommek zentrale Beispiele aus verschiedenen Werkreihen zeigen. Vor allem seine Bilder halten immer wieder ein Überraschungsmoment bereit, das unsere alltäglichen Seherfahrungen in Frage stellt: Wir nehmen als Betrachterinnen und Betrachter exakt abgegrenzte Farbflächen wahr, die in Form von Klebestreifen auf den schlichten Bildträger Spanplatte appliziert zu sein scheinen. Der auf den ersten Blick unfertige Zustand der Bilder regt zu genauerem Hinsehen an. Der Künstler verwendet ockerfarbene Spanplatten, grundiert diese weiss und versieht sie dann mit einer Malerei, die die Oberflächenstruktur der ursprünglichen Holzplatte imitiert. Der illusionistische Effekt wird dadurch noch gesteigert, dass am Bildrand die Spanplatte in ihrer tatsächlichen Beschaffenheit sichtbar bleibt.

Zusätzlich zu seinen Bildwerken wird Grommek auch raumbezogene Installationen zeigen, die ebenfalls verunsichern: Nicht wenige Besucherinnen und Besucher werden sich fragen, ob es sich dabei überhaupt um Kunstwerke handelt oder ob hier versehentlich Teile vom Ausstellungsaufbau stehen geblieben sind. Spanplatten lehnen an der Wand, scheinbar knapp und flüchtig bestrichen – und doch sind auch sie das Ergebnis einer präzise ausgeführten malerischen Bearbeitung. Der Zustand der Spannung bleibt erhalten, die Widersprüche zwischen Darstellung und Realität bleiben ungelöst. Grommek spielt mit der Verführbarkeit unserer Wahrnehmung und unserer Sehnsucht nach Gewissheit.

Joachim Grommek – «... painting show»
7. März bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-07

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Haus Konstruktiv

Verweis auf KO-Inhalte:

Joachim Grommek in der Städtischen Galerie Wolfsburg

Henry Flynt im ZKM

fear — Thu, 09 May 2013 02:34:00 +0200

Schlagworte:

Henry Flynt; Flynt Henry; Flynt, Henry; Flynt

Das künstlerische Werk von Henry Flynt (* 1940) gilt als eines der am Besten gewahrten Geheimnisse der jüngeren Kunstgeschichte. Flynt prägte 1961 als Erster den Begriff der «Concept Art» und wird unter Kennern der US-amerikanischen Avantgarde-Szene als eine der zentralen Akteure gehandelt. Eine breitere Rezeption seiner seit 1959 nur sporadisch entstehenden und selten öffentlich gezeigten, künstlerischen Werke fand indes kaum statt.

Nach der deutschlandweit ersten, institutionellen Werkschau im Kunstverein Düsseldorf gastiert die Ausstellung «Henry Flynt. Activities 1959–» nun in erweiterter Form von März bis Mai 2013 am ZKM | Karlsruhe. Sie entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler persönlich.

Die Retrospektive im ZKM | Medienmuseum zeigt einen Überblick über die künstlerischen Arbeiten des US-amerikanischen Künstlers, Philosophen, Mathematikers, Wirtschaftswissenschaftlers, Komponisten und Musikers. Sein transdisziplinäres Wirkungsfeld, die Verknüpfung vieler verschiedener Genres wie auch sein politisches Engagement zeichnen Henry Flynt zu einem bislang verkannten Allround-Talent aus.

Zusammen mit zahlreichen Veröffentlichungen, Dokumenten und weiteren Archivalien erlaubt die signifikante Auswahl seiner Arbeiten, das komplexe Werk Flynts in seiner historischen Genese zu erfassen und es im zeitgeschichtlichen Zusammenhang einzuordnen. Sein Begriff der «Concept Art» geht auf einen von Flynt verfassten Aufsatz für die Publikation «An Anthology» zurück, die von La Monte Young herausgegeben wurde. Flynts Begriff ermöglichte eine neue, kritische Auseinandersetzung mit dem traditionellen Begriff von Kunst und wurde stilgebend für die künstlerische Produktion der 1960er-Jahre.

Im Rahmen der Ausstellung wird ab Mitte März zusätzlich der Subraum des ZKM_Kubus mit einer Klanginstallation von Henry Flynt bespielt. Diese Arbeit von Flynt lehnt sich an das «Illuminatory Sound Environment» an, das bereits 1979 in «The Kitchen» in New York erlebbar war.

Henry Flynt. Activities 1959–
2. März bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-02

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

ZKM

Geschichte und Poesie

fear — Thu, 09 May 2013 02:31:00 +0200

Schlagworte:

Karl Friedrich Schinkel; Schinkel Karl Friedrich; Schinkel, Karl Friedrich; Schinkel

Karl Friedrich Schinkel (1781–1841), das preußische Universalgenie wird mit dieser Ausstellung zum ersten Mal in München gefeiert. Mehr als 300 Objekte geben einen umfangreichen Einblick in Leben und Werk eines der bedeutendsten europäischen Architekten am Beginn der Moderne. Doch der Zeitgenosse Leo von Klenzes (1784–1864) ist weit mehr: Schinkel ist Stadtplaner, Maler, Zeichner, Interieur- und Produktdesigner, Schöpfer traumhafter Bühnendekorationen und Visionär utopischer Bauphantasien.

Gezeigt werden Originalentwürfe zu Mozarts «Zauberflöte» und erstmals in Gegenüberstellung von Original und Kopie sein bedeutendes Gemälde «Gotischer Dom am Wasser». Weiterer Höhepunkt bildet eine Rekonstruktion des optisch-mechanischen Schaubildes zum «Brand von Moskau» (1812), mit dem Schinkel schon damals ein breites Publikum begeistert. Diese Retrospektive demonstriert, wie Schinkel eine ganze Epoche vom Klassizismus bis zum Historismus prägt. Die Frage nach dem Verhältnis von «Geschichte» und «Poesie» in seinem Kunstuniversum führt als Leitfaden durch die Ausstellung: Für Schinkel müssen beide Aspekte in Einklang gebracht werden damit ein Bauwerk oder ein Objekt über das «nackte Bedürfnis» hinaus zum Kunstwerk wird.

Neun Sektionen gliedern die Schau: Der Besucher wird zu Beginn in das Leben Schinkels eingeführt, lernt seine Familie sowie seine Weggefährten kennen. Die Sektion «Geschichte, überliefert und konstruiert. Die Entdeckung der historischen Denkmäler» folgt im Anschluss den ersten Schritten des jungen Architekten und begleitet ihn auf seiner einjährigen Italienreise. Nach Berlin zurückgekehrt ohne Aussicht auf Arbeit als Architekt, findet Schinkel zunächst als Bühnenbildner seine Berufung. In «Die Bühne und die Welt. Geschichtsphantasien und das Fremde im Theaterbild» entführt er den Betrachter durch traumhafte Bildinszenierungen an exotische Orte. Doch auch tagesaktuelle Ereignisse werden von ihm thematisiert: 1812 endet Napoleons Feldzug im brennenden Moskau. Dieses bildkräftige Ereignis geht als Wendepunkt der napoleonischen Kriege und der anschließenden Neuordnung Europas in die Geschichte ein. Wenige Monate später inszeniert Schinkel den «Brand von Moskau» in einem aufwendigen perspektivischen Schaubild mit Toneffekten und beweglichen Puppen, das von den Berlinern begeistert aufgenommen wird. Zum ersten Mal überhaupt wird für diese Ausstellung das Figurentheater mit aufwendiger Technik rekonstruiert.

In Schinkels Denkmalentwürfe wird die Rolle Preußens in seiner Suche nach einer nationalen Identität thematisiert. Seine Erfolge bleiben nicht unbemerkt und imposante architektonische Aufträge folgen für Königshaus und Staat. In Schinkels Berliner Bauten werden die zentralen Bauwerke klassizistischer Architektur vorgestellt, die zum Vorbild für folgende Generationen werden: die Neue Wache, Friedrichswerdersche Kirche, die Bauakademie und natürlich das Alte Museum am Lustgarten, das 1830 – im gleichen Jahr wie die Glyptothek am Münchner Königsplatz – eröffnet wird. Ein detailliert ausgearbeitetes Modell veranschaulicht sowohl das Innere als auch das Äußere des Berliner Museumsbaus. Nicht nur König Friedrich Wilhelm III. nimmt seine Dienste in Anspruch, sondern vor allem sein Sohn, der Thronfolger Friedrich Wilhelm IV. wird zum großen Förderer Schinkels. Diese mannigfaltige Tätigkeit aus Architektur, Interieur- und Objektdesign wird in der Sektion «Architekt für den Hof» präsentiert. Neben dieser höfischen Verpflichtung veröffentlicht er Musterbücher, deren Entwürfe die breite Öffentlichkeit erreichen.

In «Schinkel der Moderne. Gewerbeförderung und Design» wird Schinkel zum Vordenker und Visionär. Tatkräftig setzt er sich für die Industrieförderung ein und wird so zu einem der Väter der «ersten Gründerzeit» in Preußen. Das Vorbild liefert hier England, das er 1826 besucht. Die 1830er Jahre bestimmen neben der Berliner Bauakademie imposante und kühne architektonische Phantasien. Es sind Träume vom Bauen – späte Utopien, in denen Geschichte und Poesie letztmalig zu untrennbarer Einheit verschmelzen. Hier agiert Schinkel auf internationaler Ebene, entwirft unter anderem ein Schloss für Otto von Griechenland auf der Athener Akropolis oder ein Zarenschloss auf der Krim. Am Schluss der Ausstellung betritt der Besucher quasi Schinkels Atelier: Das «Labor der Kunst – Labor der Wissenschaft» bietet Einblicke in die Kunsttechniken der damaligen Zeit von der Papierherstellung über die Zeichenmittel bis hin zu zeitgenössischen druckgraphischen und anderen Vervielfältigungstechniken.

Karl Friedrich Schinkel
Architekt Maler Designer
1. Februar bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-02-01

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Hypo-Kulturstiftung

Verweis auf KO-Inhalte:

Karl Friedrich Schinkel. Geschichte und Poesie

Alex Katz – Landscapes

fear — Wed, 08 May 2013 02:54:00 +0200

Schlagworte:

Alex Katz; Katz Alex; Katz, Alex; Katz

Als erstes Schweizer Museum widmet Haus Konstruktiv dem grossen amerikanischen Maler Alex Katz eine umfangreiche Solo-Show. Auf drei Stockwerken zeigt das Museum Haus Konstruktiv Arbeiten von 1949 bis heute, darunter auch Werke, die bislang kaum oder noch nie in einer Institution präsentiert wurden. Das Thema der Ausstellung, «Landscapes», kreist um die Beobachtung, dass es gerade die Landschaft – auch als metaphorische Grösse – ist, die sich wie ein roter Faden durch das gesamte OEuvre von Alex Katz zieht.

Landschaften werden hier also nicht nur im herkömmlichen Sinne als Naturlandschaften verstanden, sondern als ein optionales Terrain für verschiedene Zusammenhänge und Konstellationen. Mit dieser bewussten Wahl soll deutlich werden, dass Katz auch deshalb immer wieder das Sujet der Landschaft wählt, um es für eine Art Grundstimmung zu nutzen, in der sich auch soziale oder philosophische Fragen unserer Lebenswirklichkeit widerspiegeln. Daher zeigen wir ergänzend auch ausgewählte Beispiele seiner Figurenbilder.

Alex Katz, 1927 in New York als Sohn russisch-jüdischer Einwanderer geboren, zählt weltweit zu den wichtigsten Malern unserer Zeit. Von 1946 bis 1949 studierte Katz an der Cooper Union School of Art. Anschliessend ging er an die renommierte Skowhegan School of Painting and Sculpture, die später auch so wichtige Künstler wie u.a. David Reed oder Jason Rhoades hervorgebracht hat. Ab den 1950er Jahren entwickelte Katz eine sehr eigenständige malerische Sprache, die sich dem klassischen Genre der Landschaft und dem Porträt bzw. Figurenbild widmet. Obwohl Alex Katz in der breiten Öffentlichkeit als Pop Art-Künstler wahrgenommen wird, versteht er sich selbst nicht als solcher, sondern als postabstrakter Maler.

Eine Position wie die von Alex Katz im Museum Haus Konstruktiv zu zeigen, ist ausserordentlich reizvoll: Viel zu häufig wird Katz’ OEuvre auf seine attraktive Gegenständlichkeit reduziert. Ein Missverständnis, das sich schon lange hält. Eine Rezeption seines Gesamtwerks im Spannungsfeld zwischen abstrakter und konzeptueller Malerei steht schon lange aus. Die Ausstellung «Landscapes» möchte diese Diskussion forcieren: Die Geschichte der konstruktiven, konkreten und konzeptuellen Kunst – also die inhaltliche Heimat des Museums Haus Konstruktiv – hat neben vielen anderen Aspekten ein zentrales Ziel entwickelt: Die Autonomie, die Unabhängigkeit des künstlerischen Ausdrucks.

Obgleich Katz diese niemals so ostentativ einfordert, wie es die konkret-konstruktivistischen Künstler getan haben – Katz mag grundsätzlich keine Forderungen – so können sich doch die Klarheit seiner Bilder, deren konzeptuelle Kraft und die Abstraktionsgrade seiner Bildrealität an einem solchen Ort besonders gut entfalten. Das Museum Haus Konstruktiv samt seinem kunsthistorischen Background ist ein Ort, in dessen DNA sich der Impuls eingeschrieben hat, nicht nur auf die verführerische Kraft des scheinbar Erkennbaren zu setzen, sondern genau und immer wieder neu hinzusehen. Auch hier ist die gedankliche Freiheit einer von der Dingwelt vorgegebenen Festschreibung übergeordnet.

Das Museum Haus Konstruktiv hebt also eine besondere Qualität im Werk von Alex Katz hervor: die konzeptuelle, abstrakt-philosophische Qualität seiner Malerei. Die Werke von Katz offenbaren eine auf Unabhängigkeit basierende Bildwelt. Die Ausstellung «Landscapes» konzentriert sich genau auf dieses Moment. Alex Katz ist in zahlreichen internationalen Privat- und Museumssammlungen vertreten und blickt auf eine reiche internationale Ausstellungstätigkeit zurück. Umso erstaunlicher ist es, dass bis heute noch kein Schweizer Museum sein umfangreiches malerisches Schaffen mit einer grossen Einzelausstellung gewürdigt hat, obgleich Katz auch in zahlreichen privaten Schweizer Sammlungen präsent ist. Ein Versäumnis, das mit der Ausstellung im Museum Haus Konstruktiv endlich behoben wird.

Zur Ausstellung erscheint im Kehrer Verlag eine Publikation mit einem Vorwort von Dorothea Strauss und einem Essay von Hans Rudolf Reust. Die Publikation gibt die Werkauswahl der Ausstellung fast vollumfänglich wieder.

Alex Katz – Landscapes
7. März bis 12. Mai 2013

Bilder:

Start der Ausstellung:

2013-03-07

Ende der Ausstellung:

2013-05-12

Verweis auf Adresse:

Haus Konstruktiv

Verweis auf KO-Inhalte:

Alex Katz. Cool Prints

Alex Katz. Prints, Paintings, Cutouts

An American Way of Seeing

Alex Katz Prints

Alex Katz - Naked Beauty

Alex Katz im Essl Museum

Alex Katz. New York/Maine